Мало в ком воспитана привычка конкретизировать собственные состояния, а возможность свободно воспринимать современное искусство очень связана с тем, чтобы принимать себя здесь и сейчас.
Деформированная реальность художников XX века: как научиться понимать современное искусство
Зачем современное искусство нарушает сложившиеся веками каноны и правила, как научиться видеть смысл в двух мазках, изрезанном полотне или объекте треш-арта? И почему в мире растет спрос на эти сомнительные, на первый взгляд, произведения, а сами работы оцениваются в десятки миллионов долларов? Магистр истории искусств, преподаватель МГУ Инна Мурашева рассказала о том, что зашифровано в объектах contemporary art и почему они не обязаны быть красивыми.
магистр истории искусств, преподаватель МГУ
Современное искусство: эмоции и факты
На протяжении многих веков художники работали в парадигме эстетики и гармонии. Вопрос красоты долгое время был основным критерием для признания художественной ценности произведений искусства. Позже к нему добавился вопрос достоверности: художники и критики начали спорить, что важнее в искусстве — красота или правда. Но после Первой мировой войны — с ее масштабом жертв и разрушений — реальность деформировалась.
Это метафизическое страдание ярко отразилось во всем искусстве ХХ века: человек — ничто, он заперт в клетке своей плоти, деформирован — разобран на части, раздавлен обстоятельствами. Такая идея полностью противоположна идеям эпохи Ренессанс, где человек — центр Вселенной, венец творения и демиург. Самыми яркими выразителями идеи деформированной реальности в ХХ веке стали представители авангардных направлений — Лондонской школы (Фрэнсис Бэкон, Люсьен Фрейд), дадаизма (Ханс Арп, Марсель Янко, Ман Рэй) и сюрреализма (Сальвадор Дали, Рене Магритт, Макс Эрнст): его предтечей называют сюрреалиста XV века Иеронима Босха (ок. 1450–1516), который извлекал фантасмагорические образы из глубин подсознания.
Однако понятие «современное искусство» — contemporary art — появилось только в 70-х годах ХХ века. Хотя мнения теоретиков на этот счет расходятся, в данном случае можно сослаться на авторитет представителей крупнейших аукционных домов. Так, Sotheby’s определяет произведения искусства, датируемые 1945–1970 годами как «ранние современные», а после 1970-го — как «современные». Этим же определением пользуется аукционный дом Сhristie’s, помещая более ранние работы 1950–60-х годов в категорию «искусство XX века».
Это культурное явление не требует «раскладывания» на направления: такой подход убивает спонтанность и игру со зрителем, которые составляют очарование современного искусства. Оно многослойно, имеет серьезный бэкграунд и в то же время открыто для эмоционального восприятия человека с любым уровнем подготовленности, общей эрудиции и эстетического развития.
Потому что его восприятие зависит не от набора знаний, а от эмоциональной открытости.
Фрэнсис Бэкон
В России современным искусством принято считать период с конца XIX века до наших дней, включающий в себя модернизм и постмодернизм. На Западе – период с 1960-х годов XX века.
А где смысл?
Хорошо, рассматриваем вопрос дальше. Мне говорят, что в той или иной работе очень много идей и философских мыслей…но никогда не уточняют каких именно, и уж тем более не способны объяснить вложенную ими философию. А может она и не вкладывалась изначально то? Может это не работа, а намазанные пятна большой кистью или мастихином, в лучшем случае. В худшем элементарно размазанная пальцем или всей рукой краска. Хорошо если рукой, а то есть примеры где и ногой, и, простите, попой…да любой частью цела. А особые фрики привлекают внимание к своим работам, создавая свои «шедевры» при помощи интимных частей тела… (Примеров сия творчества навалом в интернете)
Однако многие скажут, что не важно чем создано, а важно что получилось в итоге. Возможно, соглашусь, как и чем не важно. Некоторые вообще вместо краски используют собственную кровь или кремированный прах тел.
Многие находят философию практически в любом представленном «шедевре». Главное, чтобы автор сказал, что это произведение высокого искусства и новую идею быстро найдут там. Однако философию можно найти в любом, даже в пустом белом листе или уж тем более в отсутствии этого самого белого листа. Да просто в воздухе можно найти философию, где угодно и обосновать что угодно.
Все мы перед сном часто смотрим на потолок или стены и создаём целые книги размышлений о пятнах на стене. Часто можно услышать, я полчаса стоял перед этой картиной и мне начала видеться вселенная с безграничным космосом. Но постойте, если посадить человека перед белой стеной и заставить его смотреть на неё часа два, то он точно там начнёт видеть всю суть мироздания, сцены из прошлого, будущего и т.д. Это будет плод фантазии самого человека. И совсем не будет означать, что эта стена уникально покрашена неизвестным гением-маляром. Это самая обычная стена, замазанная кое-как и не более.
Неужели, так называемое, «современное искусство», которое уже больше века как покрывается плесенью, неужели оно чем-то отличается от этой самой белой стены в восприятии человека? Нет! Ничем оно не отличается! Человек видит на холсте то, что хочет видеть, а не то, что ему показывает автор. Там может быть гениальный шедевр, а может быть и самая обыкновенная мазня левой ногой.
«Элитарное искусство»
Едем дальше, вспомним так часто упоминаемый термин «Элитарное искусство». Именно этим пара веков назад проклинали академическое искусство. Мол слишком элитарно и не доступно для всех. Хорошо! Приехали! Сегодня самый популярный лозунг «Искусство в массы»! Давайте рассмотрим его поближе, что же на самом деле происходит.
А происходит самая обыкновенная подмена понятий и смыслов. Сейчас вообще очень любят менять понятия и смыслы местами, запутывая народ ещё больше, чтобы самим было выгодно и удобно.
Что означал термин «элитарное искусство» раньше? Ещё пара веков назад под элитарным понималось мастерство автора, его уровень владения материалом. Чтобы научиться создавать картины, требовались десятки лет. Люди полжизни тратили, пока это не становилось смыслом всей, собственно, жизни. Но сами работы были максимально доступны для восприятия. Таким образом мастер учился годами, чтобы парой мазков кисти передать то, что будет изящно, красиво и понятно каждому, вне зависимости от знаний зрителя. Такие работы мог оценить даже нищий оборванец с улицы.
Что же вкладывается в понятие «элитарное искусство» сейчас? Это очень просто, поменяйте местами всё, и вы получите ответ. Сегодня каждый может стать мастером, для этого достаточно взять краску, намазать ею руку, а ещё лучше пятую точку и изящненько так плюхнуться на лист бумаги, чтобы наша подкаченная попа осталась на века жирным отпечатком на бумаге. Главное не забыть пнуть друга с айфоном, чтобы заснял всё это действо и выложил в инстаграм. Всё, шедевр готов, автор стал популярен, попу народ заценил. Рецепт очень прост и понятен. Каждый может стать мастером за пять минут. Ни к чему академии и годы обучения композиции, цветоведению и анатомии. Ведь самые ценные сейчас работы, это детские наивные рисунки.
А смысл этих шедевров, спросите Вы? А никакого…если честно и по секрету, только тссс, об этом нельзя говорить… В реалии, если смысл публика не придумала, то значит автор настолько крут и гениален, что серая масса просто не способна понять всей масштабности задумки. Потомки, через многие годы, возможно, поймут.
Сейчас нельзя говорить, что автор сделал мазню, и что он занимается очковтирательством и тупо впаривает всем нам какую-то ересь под видом «элитарного искусства». Сейчас надо говорить, что я ещё не дорос и не понимаю.
Не пытайтесь охватить все работы в музее. Если Вы идёте смотреть постоянную экспозицию, выберите заранее 5-7 работ, которые хотите увидеть. Если не выставку – ориентируетесь на свои ощущения. Постойте у тех работ, которые вызвали у Вас эмоции.
Современная скульптура
Скульптура 21 столетия унаследовала тренды второй половины века 20-го. Особенно это касается тенденции к удешевлению и облегчению материалов, из которых изготавливается скульптура. Так, сегодня почти не осталось места скульптурным композициям из бронзы и мрамора ввиду дороговизны и тяжести материалов, сложности обработки и сложностей с транспортировкой для участия в выставках. Хотя, разумеется, это не означает, что традиционная скульптура уже полностью отошла в прошлое.
Как и во второй половине 20 столетия, часто используются более легкие материалы: пластик, стекло, дерево, гипс, проволока, тонкие листы металла и даже бумага. Еще в большей степени, чем в 20 веке, становятся популярны инсталляции – пространственные композиции из различных материалов и предметов. Такие конструкции легко монтируются, демонтируются и перевозятся с места для места, и такая мобильность заметно расширяет возможности презентации своих работ для скульпторов.
И еще один тренд наступившего тысячелетия: скульптуры все сложнее и сложнее четко отнести к какому-то одному определенному стилю. В них очень много иносказательности и огромный простор для фантазии зрителей, когда каждый может увидеть нечто свое. Иногда даже такое, чего не догадался бы показать художник. В общем, тут лучше один раз увидеть, поэтому представим вашему вниманию наиболее знаковые скульптуры начала 21 столетия.
Норвежский скульптор Фредрик Раддум одинаково успешно работает и в прогрессивном жанре инсталляции, и в традиционной бронзовой скульптуре, зачастую воплощая неординарные сюжеты. Например, птица, которая поднимает в небо человека:
В целом, Фредерика Раддума чаще всего причисляют к сюрреалистам, и в этом точно есть доля справедливости. Интересны творения Александра Лидаговского, который делает как новаторские бумажные скульптуры, так и традиционные. Вот, например, скульптура «Лестница»:
Интересно, что ни с одного ракурса невозможно увидеть всех действующих героев композиции. Так, чтобы хорошо рассмотреть кота, вам придется обойти скульптуру сзади:
Стоит увидеть и бумажные скульптуры Лидаговского. Например, «Бегунью на старте»:
Вообще, тема здорового образа жизни и спорта обрела в 21 веке особое значение, что отобразилось в скульптуре. Так, в ОАЭ есть скульптура гимнаста, выполняющего упражнение на кольцах, а в США – скульптура представительницы художественной гимнастики, танцующей с лентой. Близка к спортивной тематика скульптуры «Пятикнижие» Фабьена Мереля, где атлет успешно взаимодействует со слоном в деле создания спортивной «пирамиды»:
Нужно заметить, что люди с их устремлениями, эмоциями и переживаниями занимают значительное место в творчестве скульпторов 21 столетия. Тема человека и его переживаний проникла во все виды скульптуры. Очень показательна композиция Кэти Гриннан «Мираж»:
Современная живопись
В живописи, как и в скульптуре и архитектуре, тренды 20 века соседствуют с новыми веяниями 21 века. Из прошлого века в нынешний перекочевали традиции концептуализма, поп-арта, экспрессионизма, сюрреализма, абстрактного импрессионизма, которые существуют в работах художников в причудливых смешениях. И, как и в скульптуре, все труднее отнести то или иное творение однозначно к какому-либо одному стилю. Поэтому представим те работы художников начавшегося третьего тысячелетия, на примере которых проще увидеть господствующие тренды в искусстве.
Пожалуй, самое замысловатое смешение стилей можно увидеть в картинах Анатолия Пурлика. Тут ощущается влияние фовизма и экспрессионизма, группы «Наби» и постимпрессионизма. И не всегда понятно, чего больше в произведении. Оцените картину Пурлика «Морячки в Гоа»:
Еще больше «намешано» разве что в картинах Юлиана Зюлковского. Мы видим симбиоз сюрреализма и абстракционизма, кубизма и поп-арта, конструктивизма и элементов восточной живописи. Например, как в его работе «Бестиарий»:
Художница Мария Семенская хранит верность традициям сюрреализма, хотя и трактует их немного по-своему. Впрочем, зрители могут поступить точно так же, увидев в картинах что-то свое. Например, как в картине с многообещающим названием «Все, что только можно вообразить»:
Влияние экспрессионизма наиболее четко прослеживается в работах Натальи Турновой. К слову, обыгрывание идеи картины в разных красках и ракурсах – это тенденция 21 столетия. По факту, перед зрителями предстает одна картина с некоторыми изменениями, однако эти изменения придают каждой из картин статус оригинала:
Интересно и творчество Семена Агроскина. Он специализируется на простых бытовых сюжетах, передавая красоту каждого мгновенья жизни минимальным количеством красок, но множеством оттенков. Для примера его работа «Соседняя комната», которую видно через приоткрытую дверь:
К слову, Агроскин точно так же, как и некоторые его современники, тиражирует свои идеи, изображая один сюжет в нескольких вариациях:
Типичный представитель абстрактного искусства 21 века – это Диана Воуба. Достаточно посмотреть, как представляет себе Диана Воуба «Крик ястреба», чтобы навсегда изменить свои представления о том, что такое конкретика, и что такое абстракция:
Из новых веяний живописи 21 столетия стоит выделить так называемую «эстетику нуар» (от французского noir – черный), т.е. картины с преобладанием черного цвета. Например, как работа Лукаша Стоклоса «Интервью с вампиром»:
Есть в современной живописи место и реализму. Так, Уоррен Чанг предпочитает максимально реалистичные изображения людей:
Эта тенценция началась ещё с импрессионизма (60-70-ые года 19 века). Именно тогда изобрели фотоаппарат. Роль копирования реального мира на себя взяла фотография. Живописи это было уже ни к чему. И понеслось…
Самые известные современные художники
В настоящее время продолжают работать многие признанные мастера, прославившиеся более 50 лет назад, но появляются и новые яркие имена. Вот лишь несколько самых известных современных художников, представляющих старое и новое поколения:
-
(Gerhard Richter). Немецкий художник, которому скоро исполнится 90 лет, успел за долгую жизнь поработать в жанрах поп-арта, абстракции, минимализма и фотореализма. В последние годы он продолжает создавать новые работы и экспериментировать с материалами.
- Яёи Кусама. Японская художница, автор ярких картин, коллажей, скульптур, инсталляций и перформансов. Продажи на аукционах сделали ее самой дорогой из ныне живущих художниц, а выставки 2017-2019 годов собирали огромные очереди. (David Hockney). В 2018 году этот автор стал самым дорогим из современных художников. Его картина «Бассейн с двумя фигурами» была продана более чем за 90 миллионов долларов. В последние годы Хокни создает новые произведения с помощью гаджетов — iPhone и iPad. (Anish Kapoor). Этот британский автор знаменит абстрактными скульптурами. Несколько лет назад он получил эксклюзивное право использовать в творчестве «самый черный цвет», получаемый по технологии Vantablack. (Jeff Koons). Американский скульптор, создающий концептуальные фигуры из отполированной до зеркального блеска стали. Скульптуры имитируют пластик и другие современные материалы. Самая узнаваемая работа — «Собака из шариков».
- Дэмьен Херст (Damien Hirst). Самый известный участник группы «Молодые британские художники». Всемирную известность ему принесли работы с мертвыми животными, сохраненными в формальдегиде, и скульптура «За любовь Господа» в виде усыпанного бриллиантами черепа.
- Бэнкси. Анонимный британский художник, о реальной личности и биографии которого почти ничего не известно. Бэнкси работает в жанре стрит-арта, создавая сатирические граффити на остросоциальные темы.
С другой стороны, к началу «нулевых» демократия в литературе уже граничила со вседозволенностью, что вызывало часто справедливые нарекания относительно не слишком высокого художественного уровня произведений новых авторов.
Сотворить заново!
Ребята-модернисты всегда были рисковыми людьми и ходили на грани эстетически приемлемого. В своем творчестве они использовали разные методы, которые мы наблюдаем и по сей день в современном искусстве:
- в ход шли шутки, каламбуры, скандалы, сексуальные намеки;
- в работах использовались всевозможные предметы – бытовые инструменты, вещи, обрывки газет, канцелярия и прочие, которые преподносились как произведения искусства;
- смело использовались яркие краски;
- на первое место ставилось не визуальное восприятие, а интеллектуальные и концептуальные идеи;
- развивались разные типы искусства – коллажи, фотография, анимация.
Постмодернизм и contemporary art
В конце 60-х годов XX века в России современное искусство продолжилось с привкусом постмодерна, а на Западе пришло contemporary art.
В этот период появляются аудио и видео технологии, потом компьютеры, а в 90-х годах начал захватывать власть интернет. Вместе с новыми технологиями появляются и новые направления, соответствующие эпохе – концептуализм, гиперреализм, минимализм, поп-арт, хеппенинг, перфоманс.
Джозеф Кошут «Один и три стула» 1965 г. (концептуализм)
Сегодня современное искусство поражает многообразием видов, порой даже шокирующих, о которых будет сказано далее. А пока разберемся в другом.
Кроме того, современное искусство дарит чувство сопричастности, пребывания на пике современности: оно пластично, текуче, развивается здесь и сейчас, и зритель растет вместе с ним. Неслучайно музеи современного искусства, которые есть практически во всех крупных мировых столицах, весьма посещаемы.
Шаг 6. Найдите проводника в мир современного искусства
Подпишитесь на блогера, который рассказывает о современном искусстве легко и доступно. Он Вам поможет расшифровывать послания современных художников или будет подталкивать искать заложенный смысл.
Если Вы застряли на первом шаге, расслабьтесь. Продолжайте изучать старых мастеров. И однажды современное искусство Вас позовёт. Синим запатентованным цветом Кляйна или вызывающими слезы пятнами Ротко.
Ив Кляйн. Антропометрия: Принцесса Хелена. 1960 г. Музей современного искусства (МОМА), Нью-Йорк. Yandex.ru.
Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.
Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.
Похожее
15 комментариев к “Как понять современное искусство. 6 шагов от ненависти до любви”
судя по названию… прямо для меня статья =)
))) напишите потом, пригодились ли Вам эти советы))
Спасибо, Оксана! Полностью с Вами согласна по всем шести пунктам. Понять искусство любой эпохи не просто, для этого надо знать как минимум историю, поскольку послания мастеров идут к нам из глубин веков. К примеру, я несколько брезгливо относилась к творчеству Хаима Сутина. Но ознакомившись с его биографией, поняла откуда его болезненное увлечение освежеванными тушками. И взглянула на художника и его картины другими глазами. Здесь не обошлось без Фрейда) Но! Я бы добавила, что и без бизнеса тоже не обошлось) Как Вы относитесь к мнению, что современное искусство – это отчасти бизнес?
Надежда, да, контекст очень важен. Что касается бизнеса: думаю, что талантливый и главное деятельный художник заслуживает зарабатывать хорошие деньги. Да, иногда сам художник по натуре предприниматель, и он умело сам себя раскручивает (но это очень редко). Бывает, что другие люди помогают в этом художнику. А вот насколько тот или иной художник на самом деле гениален, покажет только время. Его работы могут покупать за миллионы, но через 50 лет о нем никто не вспомнит. Ну да, тогда это скорее про бизнес и раскрученный бренд. А вот если о нем будут помнить, значит это про вклад в историю искусства.
Оксана, вы знаете, как я люблю Ваш блог (если не знаете, знайте), но нет. Даже Ваши советы мне не помогли. Я решила разделить современное на искусство для себя, на таких как Глейзер и таких как Поллок. И пусть один мало кому известен и смотреть его я могу только в инстаграме или фейсбуке, но мне не мешает это часами медитировать на его работы, а вот второй – прославен, свеж и новое веяние, но его работы для меня не имеют ценности.
ExplorelTA, спасибо за честное мнение. Самое главное, что Вы умеете получать удовольствие от искусства. И не так важно, какой художник – Ваш проводник в мир живописи
Есть авторы, которые выражают самого себя, свои эмоции, чувства и переживания. Здесь полный расчет не на ум, а на чувства и ощущения зрителя. И таких художников большинство.
